Charo Carrera: "Lo que más placer me produce y define mi trabajo es "encontrar", "abrir nuevos caminos""

HUESCA.- En febrero pasado, el jurado de la Beca de Arte Enate 2020 acordó por unanimidad dar este premio a Charo Carrera, por Enredada, "una obra de técnica mixta en la que, sobre una tela aterciopelada, imprime una forma que tiene algo de anudamiento complejo. Esta "pintura" contemporánea parece cambiar de color cuando el espectador se mueve en torno a ella y produce un singular efecto de, al mismo tiempo, incitar al tacto y mantenerse a distancia para metafóricamente "acariciar con la mirada" la superficie sobre la que está centrado ese elemento reticular que tiene algo de enigmático", explican desde Enate.

Los miembros del jurado del premio: Fernando Castro Flórez, Pepe Cerdá Escar, Alberto Martín Giraldo, Fernando Alvira Banzo y Ana Gállego resaltaron la belleza de la composición, la perfección compositiva y el uso notable de la tecnología para conseguir una imagen seductora.

Charo Carrera, nacida en Herrera de Pisuerga (Palencia) y residente en Málaga, está licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Desde 1997 ha participado en casi una veintena de exposiciones individuales y en casi una treintena de exposiciones colectivas, en España, y países como Italia, Alemania, Holanda o Japón.

¿Qué supone para usted obtener la Beca de Arte Enate—

Percibo este reconocimiento como un premio a todo mi trabajo artístico. La envergadura y calidad de este galardón que me conceden las prestigiosas Bodegas Enate, me reconforta y me anima a seguir adelante. Estoy agradecida, satisfecha y orgullosa de formar parte de su importante Colección de Arte Contemporáneo.

¿Qué es Enredada—

Enredada pertenece a la serie: Los desarraigados y otros seres, que comencé hace unos años, habiéndola finalizado hacia el año 2017. Con Enredada busco transmitir la complejidad y, a la vez, la simplicidad de la vida. La soledad de todos nosotros, en clave femenina. Su estructura reticular se mueve en un recorrido que aparece y desaparece, envolviéndose a sí misma. Un recorrido vital.

La elección del terciopelo forma parte de la obra. Es un material que invita a la ensoñación, varía constantemente y recoge a la perfección la imagen, potenciando su intensidad según varía el ángulo visual. Dan ganas de tocarlo y de alejarse a la vez, para observarlo mejor. Así es, también, el ser que lo impregna, la enredada. La obra está formada por dos clases de terciopelos: el más fuerte en la base, de color dorado viejo, y el que contiene la obra, más fino y de color marfil. He querido fusionar los dos, para crear una apariencia etérea, alentando su variedad cromática.

Siguiendo la investigación que empecé hace años en el Centro Mide de Cuenca, la impresión gráfica sobre el terciopelo era un nuevo reto. Horas de pruebas sobre diferentes materiales, me han llevado a experimentar nuevas tecnologías digitales como la electrografía, que, casi siempre, acompaño y completo con pintura o dibujo, incluso con el tórculo, hasta finalizar la obra.

¿Cómo fue su llegada al mundo del arte—

Recuerdo, sobre todo, las palpitaciones que sentía, de adolescente, cuando me detenía en los detalles de alguna fotografía de obras de Delacroix, Ribera o Rembrandt en la biblioteca Municipal de León, donde vivía. La propina semanal la dedicaba a comprar el fascículo correspondiente de la Colección "Grandes de la Pintura" y lo estudiaba minuciosamente de principio a fin. La emoción que sentía definió claramente cuál sería mi dedicación fundamental en la vida; quería hacer sentir esa emoción. Fue mi primer conocimiento del arte. Después de unos años, y de cursos de dibujo, cerámica y fotografía, practicando siempre, conseguí un trabajo que me facilitara el traslado de León y cursar los estudios en la Facultad de Bellas Artes de Madrid, donde desarrollé las siguientes etapas que me llevarían a mi concepción actual del arte.

¿Cómo ha sido su trayectoria, ha habido muchos cambios en sus procesos creativos y/o en sus temáticas—

Mi trayectoria empezó con la pintura, que combinaba con el resto de las asignaturas y cursos de diferentes técnicas en lugares diferentes de España, hasta llegar al trabajo interdisciplinar. Actualmente, aúno diferentes modos de expresión y diferentes técnicas. Fotografía, pintura, dibujo, escultura, procesos digitales, vídeo, instalación y Land-art.

Sobre todo y siempre, ha sido un trabajo de constante investigación con los medios y con los materiales. Parte de mi obra tiene su origen en la fotografía, y trabajo, en muchas ocasiones, con elementos dignos de ser reciclados.

Utilizo a menudo material que se asemeja a lo que encuentro y observo en la naturaleza y en el paisaje urbano: el verde aterciopelado del bambú, los musgos de las rocas del bosque o de las playas del norte, extensiones de oro de los campos de trigo o de plata de mar, las oxidaciones e irisaciones metálicas, etcétera.

No podría decantarme por una técnica. El color que me invade en la pincelada se puede asemejar, en intensidad, al contacto directo con la materia, con el fuego que doblega y oxida el metal de mi escultura, y a la totalidad conceptual que me proporciona la instalación. Las nuevas tecnologías me permiten investigar procesos siempre cambiantes y sorprendentes. El Land-Art sería la definitiva relación y encuentro de toda mi obra con la naturaleza. Algunos conceptos se pueden expresar mejor con la técnica apropiada.

En cuanto a la temática siempre ha sido la naturaleza como madre creadora, y el ser humano, tan lejos de ella. Organismos que se relacionan, y se entrecruzan, su capacidad de resistir, de renacer, la fragilidad y la soledad de todo ser vivo. Su historia vital, sus ataduras y relaciones con el entorno. Lo que uno quiso ser y lo que ha llegado a ser. La búsqueda. El contenido filosófico que puedo expresar o añadir. La belleza y la riqueza que veo y encuentro cada día.

Lo que más placer me produce y define mi trabajo es "encontrar", incluso aquéllo que no busco, descubrir, "abrir nuevos caminos". Por eso, es normal encontrar en mi taller varias obras en proceso a la vez.

Y estar preparada cuando me llega la idea, cuando todo encaja, y necesito plasmarlo con urgencia. Lo que podría ser el "satori" en términos zen. Y seguir trabajando y apareciendo más luz. La conexión con la vida.

Nació en la provincia de Palencia, ha vivido en distintas ciudades y ahora en Málaga. ¿Los territorios, marcan al artista—

Soy de Palencia y cierto es que percibo en mí un empuje castellano y románico muy fuerte. También he vivido durante muchos años en León, en Madrid y actualmente en Málaga.

No hay duda de que el entorno donde se vive condiciona en gran parte lo que una ve y el modo en que una lo ve, aunque lo que me interesa y lo que busco en cualquier lugar del mundo sigue siendo lo mismo. El carácter diferente de cada ciudad puede conectar mejor o peor, pero los bastos campos dorados de la meseta o sus románicos pueblos son compatibles con las góticas catedrales o la vegetación exhuberante y los mares del Sur. El factor común se encuentra en la belleza. Siendo mi trabajo siempre relacionado con la naturaleza y el ser humano, no cabe duda de que todas las diferencias que voy encontrando y aprehendiendo se funden en un proyecto y una búsqueda muy excitantes.

Un artista y una obra.

Sin olvidar todo el arte que las civilizaciones anteriores nos han proporcionado, grandes maestros nos han beneficiado a lo largo de los siglos: Giotto, Leonardo, Goya, etc... También el arte contemporáneo ha dado y da admirados artistas como: Louise Bourgeois, Sigmar Polke, Rauschenberg, Annette Messager, Cristina Iglesias, Rothko, Bill Viola, Ana Mendieta, etc.

Son muchas las obras de arte que han sido creadas y que se quedan en la vida de un artista para siempre... Difícil anteponer algunas a otras. Pero la araña gigante de Louise Bourgeois, titulada "Mama", acompañada de sus celdas y todo su bagaje artístico y conceptual me interesan especialmente. El misticismo de los vídeos de Bill Viola y la relación de Ana Mendieta con la naturaleza y con el feminismo, encajan perfectamente con lo que me interesa del arte.

"ESTE CONFINAMIENTO SE PARECE MUCHO AL ENCLAUSTRAMIENTO QUE NECESITA UN ARTISTA PARA CREAR"

El confinamiento por el coronavirus, ¿cómo ha cambiado el plan de trabajo que tenía antes ¿En qué trabaja ahora?

En febrero de este año 2020 llevé a cabo la Intervención titulada Si yo, Si tú en las paredes del Centre Pompidou de Málaga, en las que, a través de una estructura vital pintada y rotulada a mano, planteaba la necesidad del cambio personal para salvar la sociedad equivocada y amenazada en la que estamos. "¿Qué pasaría si fuéramos o fuésemos capaces de cambiar ". Una intervención premonitoria que dio tiempo a inaugurar justo antes del confinamiento y que ha quedado latente en el espacio, ahora cerrado, del Centro.

También tenía concertadas tres exposiciones individuales en este año y principios del próximo, en tres diferentes espacios expositivos de Málaga. Tan diferentes en sus dimensiones y sus planteamientos que sería obra interconectada y adaptada a cada uno de los espacios.

Así que, ahora, con la suerte de contar con mi estudio dentro de casa, y de manera pausada, sigo preparando y ultimando dichas exposiciones, aunque no sea posible mostrarlas hasta dentro de un tiempo, así como dos colectivas que se han pospuesto por los acontecimientos, en Alemania y México.

¿Es más fácil o más difícil trabajar en estas circunstancias?

El confinamiento de ahora se parece mucho al enclaustramiento que necesita un artista para crear. Si no fuera por el momento triste y difícil que vivimos, esta situación sería mi estado natural en "el lugar sagrado de creación", el taller. Teniendo sólo el problema de que se acabe algún material.

¿Qué color le pone a esta crisis?

A veces, una llanura o el mar, se confunden con el cielo, haciendo desaparecer la línea de horizonte en un "no color". Cuando no somos capaces de determinar si es un gris blanquecino, un plata o un azul apagado. La incertidumbre. Quizás un poco más oscuro, tirando a grafito.